Добавить цветов на картину

Yoko Ono является ведущим экспериментальное и авангардист. Она была связана с концептуальным искусством, производительность, Fluxus и события 1960-х годов (один из очень немногих женщин, которые участвовали в этих движениях), но прежде всего она была пионером, который ставит под сомнение концепцию искусства и арт-объект и разбив традиционные границы между отраслями искусства. Благодаря своей работе она создала новый тип отношений со зрителями, приглашая их играть активную роль в его создании. Она также объединяет два мира - восточной и западной культуры - которые расширяют и усиливают друг друга в непрерывных инноваций.

Выставка Йоко ОНО: ЕЩЕ ОДИН СТРОЙ ... стремится выявить основные элементы, которые определяют обширную и разнообразную творческую карьеру Йоко Оно - это путешествие через само понятие искусства, с сильной социальной и политической активности. С одной стороны, существуют «Инструкция» частей, которые задают вопросы по поводу концептуальных принципов, лежащих в произведения искусства, подчеркивая его эфемерность в то время как де-освящая объект, а также привлечения к участию зрителей в его материальной реализации. С другой стороны, есть описательная, выражающие поэтическое и критическое видение Йоко Оно. 

Осенью 1955 года Йоко Оно состоит ее первая рабочая инструкция, озаглавленный LIGHTING поштучно: «Свет матч и смотреть, пока она не погаснет. Он не был до 16 июля 1961 года она прошла выставка ее Инструкция картин и рисунков в галерее AG Джорджа Maciunas в Нью-Йорке. Она показала ряд каллиграфии, но в центре внимания был сгенерирован полотнах висел на стене или стоящую на полу, с помощью которой посетители взаимодействовали согласно ее указаниям, наступив на них или поджигая их, просто назвать несколько примеров из возможных действий, через которую она предложила зрителям исполнить творческий процесс работы.Присутствует в галерее, Yoko Ono приветствовали гостей, взял их вокруг выставочной площади и объяснил природу ее работ и роли зрителя.

Менее чем через год, 24 мая 1962 года Йоко Оно провели концерт и художественная выставка в Sogetsu Центре искусств в Токио, где она показала только «Инструкции для картин», что она просила своего мужа, композитора Тоси Итиянаги, чтобы писать на белых листах бумаги. В значительной степени, это были одни и те же работы, как те, которые показаны в галерее AG, но на этот раз зрители были приглашены принять участие в творческом процессе концептуально, а не физически. С помощью этого упрощения - очень ранний пример концептуального искусства - Йоко Оно ставит под сомнение уникальность и святость предмета искусства. Вместо того чтобы работать с визуальным взаимодействия между материалами, средствами массовой информации и методы, как абстрактных художников доминирующей в мире искусства в то время, Yoko Ono работал с основе концепции, используя только слова, которые сразу описания и определения действие, но по-прежнему оставляют значительный простор для «исполнителя», материально и / или психически. 

Это отправная точка слова связывает работу Йоко Оно с литературой и, в частности, поэзии. Многие комментаторы справедливо ассоциируется с ее инструкции партитур. Другие указывали на хайку, в незарифмованной и не ритмичного метра, разработавшей от классической японской поэзии жанра, известного как Танка в шестнадцатом веке. Но инструкции Йоко Оно не стихи; они являются визуальные произведения искусства, новый вид искусства, который она делила с другими современными артистами, как Джон Кейдж и Джорджа Брехта. Их природа как визуальные искусства подчеркивается тот факт, что сама художница их назвал картины, а также тем фактом, что они имеют дело с живописью: Картина увидеть небо, 1961; Картина для Ветра, 1961; Дым Живопись, 1961; Картина вбить гвоздь, 1961; и картина будет построено в голове, 1961 все влечет за собой обсуждение искусства. «Мои картины, которые все инструкции картины (и предназначалась для других, чтобы сделать)", Yoko Ono сказал: "пришел после того, как коллаж и сборка (1915) и происходит (1905) вошел в мир искусства. С учетом характера моих картин, любой из указанных выше трех слов или новое слово можно использовать вместо этого слова, живописи. Но мне нравится слово картину, потому что она сразу соединяется с «настенной живописи», и это приятно и смешно. Но она не intellectualise о своих собственных работ. Вместо этого она покидает «передышку» для зрителя / участника, в котором произведения вступают в бытие через лирический диалог.

Оригинальность работ Йоко Оно заключается в их эфемерности. В то время как, например, искусство Марселя Дюшана в основном концептуальный, он сохранил идею арт-объекта, как это делали многие современники Yono Ono в. Ее работы, с другой стороны, основаны на концепции, которая изложена в нейтральном ключе, без психологических аспектов, личных ассоциаций или субъективности, а их материальная разработка в значительной степени определяется зрителя / участника, даже с учетом окончательное растворение / разрушение искусства. Таким образом, ее работа представляет собой процесс (становление-бытие было), который имеет временные рамки своих собственных. В контексте художественно-исторической, это был радикальный сдвиг.Ранее работа была возвышенная, вневременной объект (хотя его создания принадлежала к определенному художественно-исторический период), сохраняется в специальных социальных учреждениях - художественных музеев - и частью мощной коммерческой системы. Прямо и косвенно Yoko Ono рассматривал этот возвышенный характер предмета искусства, с художественной точки зрения, но и с социальной и политической. Инструкции, которые являются противоположностью к символическому художественных работ, избежать возможности стать продаваемым объектом. Подчеркивая и выделяя эфемерность произведения искусства Йоко Оно делает его прозаический, срывает границу между жизнью и искусством. Вместо того чтобы быть возвышенным и священным предметом, художественное произведение становится мимолетное физическое и психическое общение. 

В то время как мы можем сказать, что этот аспект связывает искусство Йоко Оно к тому из Fluxus, что позволило снизить повышенные эстетические и материальные качества, и предложил более широкий и более терпимое эстетический опыт, он также содержит ссылки на ее культурный фон в дзэн-буддизма, суть которой заключается в медитации с целью освобождения души от ее земных оков. Zen подчеркивает понимание независимо от логического мышления, а способ приобрести это через коан, загадка, для которых нет никакого логического решения. Во многом таким же образом, Yoko Ono разводится ее художественную концепцию от его материальной форме и подчеркивает его субъективные, медитативные качеств или цитировать ее собственные слова в связи с ее событиями: "Это не" Get-совместность ", как большинство происшествия являются , но дело с самим собой ». 

Также редко встречается в истории искусства является великодушие, что Йоко Оно распространяется и на зрителей. Некоторые инструкции дают ограниченную свободу выражения / расширения для участника, например, живописи вбить гвоздь и живописи, чтобы быть политы, 1962, где участие в виде нюансами повторения. В других работах, таких как добавить цвета картины, 1960, Мумия прекрасна и Возникнув, однако, художник дает больше лицензий, приглашая зрителей, чтобы добавить к работам или изменить их, часто в очень индивидуальной манере. Таким образом, работа становится общей психического или физического проекта. Элемент участие является ключевым фактором в процессе растворения уникальность произведения искусства - так как она может быть оказана одновременно многими людьми и в разных местах - как его отказ от коммерческого. Одним из последствий участия с другими, и, возможно, самый тонкий из них все, что через него, художник теряет контроль над процессом и эволюции работы, которая приобретает новую жизнь в версиях с разной степенью творчества.Многие из объектно-ориентированных Инструкция работ на выставке, таких как живопись вбить гвоздь, Sky TV, Дерево желаний, Роспись потолка, да Живопись, 1966/2016, Представьте Карта Мира установку, 2003/2016, 2013/2016, возникающие в связи и Мумия прекрасна, 1997/2016, были реализованы сотрудниками музея. Нет работы не пришел в музей в ящиках со статусом оригинальных, уникальных предметов искусства в традиционном смысле этого слова. 

После того, как уменьшив произведение искусства к состоянию идеи, Yoko Ono отказались от каких-либо подпись художественного выражения и производства; ее идеи и концепции могут быть материализованы в любой форме и с использованием всех возможных методов. Но даже несмотря на то отправной точкой является не материал или метод, определенный эстетический подход сохраняется. Ее использование белого является примером, что отражает как тот факт, что в белом Дальнем Востоке цвет смерти и печали, и что в более модернистской западном смысле она является нейтральным, не цвет, который уменьшает все личные выражения или вложения ,Прозрачные материалы, которые повторяются снова и снова в своих работах, в качестве первичных психических структур, являются еще одной характеристикой ее художественного выражения.

Изобретая новые формы искусства, Йоко Оно загружает их с описательной и символическим значением.Некоторые произведения, как Возникающие и Мумия прекрасна, являются сложными и тонкими в их структуре и описательной, зависит в основном от вклада участников с целью создания мощных коллективных работ и нарративы, выражающие как истории отдельных лиц и полифонию коллективного голоса общества , Другие более прямой, и даже жестокими, как работ, связанных с разрушением и реконструкции, природных или техногенных катастроф, таких как люди-невидимки, Исправлять штучных и Ex It. Понятие разрушающего действия появляется во многих работах Yono Ono, особенно после 1980-х годов, но большую часть времени он последовать чувство надежды или акт исцеления. Другие работы, более конкретно, социально и политически ориентированным, как и горизонтальные Возникающие Воспоминания, которые напоминают нам, что наше общество по-прежнему регулируются «законом джунглей», и омрачены большим страдания. То, что все эти работы объединяет то, что они выступают за феминизм, мир и коллективную деятельность, сознание о собственном существовании и отношениях человека с другой. Работы станут напоминанием и приглашением принять ответственное, моральное и критической точки зрения. 

искусство Ono в представляет проблему для любого художественного музея пересмотреть свою природу и свои пределы. Он настоятельно призывает музей, чтобы изобрести свой диалог с художником и публикой. «Мечты сбываются» представляет выбор Инструкции Йоко Оно работает из последних шести десятилетий. Объекты представлены в музее, обрамленное своей архитектурой и механизмов, в то время как другие произведения передаются через социальные медиа. Эта поставка инструкций, фотографий и фильмов для широкой публики с помощью интернета и смартфонов подчеркивает их эфемерную и де-sacralised характер. 

Даже если искусство Йоко Оно является открытым и сложным, движимый необходимостью участия с другими, она всегда сохраняет свое основное значение, которое невозможно бежать от или отвлечь. В значительной степени, ее искусство имеет дело с природой самого искусства, а также ее вера, что есть лучшее будущее, "если мы просто хотим его достаточно.

YOKO ONO: ONE MORE STORY...
08.10.2016
05.02.2017

Yoko Ono is a leading experimental and avant-garde artist. She has been associated with the Conceptual art, performance, Fluxus and happenings of the 1960s (one of very few women to have participated in these movements), but above all she has been a pioneer who has questioned the concept of art and the art object and has broken down the traditional boundaries between branches of art. Through her work she has created a new kind of relationship with spectators, inviting them to play an active part in its making. She also brings together two worlds – Oriental and Western culture – which extend and strengthen each other in continuous innovation.

The exhibition YOKO ONO: ONE MORE STORY... aims to reveal the basic elements that define Yoko Ono's extensive and diverse artistic career – a voyage through the notion of art itself, with a strong social and political engagement. On one hand there are the 'Instruction' pieces, which ask questions about the conceptual principles behind the work of art, highlighting its ephemerality while de-sanctifying the object, as well as enlisting the participation of spectators in its material realisation. On the other hand there are the narratives expressing Yoko Ono's poetic and critical vision.

In autumn 1955, Yoko Ono composed her first Instruction work, entitled LIGHTING PIECE: 'Light a match and watch till it goes out.' It was not until 16 July 1961 that she held an exhibition of her Instruction paintings and drawings at George Maciunas's AG Gallery in New York City. She showed a number of calligraphies, but the focus of attention was generated by canvases hung on the wall or placed on the floor, with which visitors interacted according to her instructions by stepping on them or setting fire to them, just to name a few examples of the possible actions through which she invited viewers to fulfil the creative process of the work. Present in the gallery, Yoko Ono welcomed the visitors, took them around the exhibition space and explained the nature of her works and the spectator's role.

Less than a year later, on 24 May 1962, Yoko Ono held a concert and an art exhibition at the Sogetsu Art Center in Tokyo, where she showed only the 'Instructions for Paintings' that she had requested her husband, composer Toshi Ichiyanagi, to write on white sheets of paper. To a large extent, these were the same works as those shown at the AG Gallery, but this time the spectators were invited to take part in the creative process conceptually rather than physically. With this simplification – a very early example of Conceptual art – Yoko Ono questioned the uniqueness and sanctity of the art object. Instead of working with the visual interaction between materials, media and methods, like the abstract artists dominating the art world at the time, Yoko Ono was working from the basis of the concept, using only words that are at once a description and a definition of the action, yet still leave considerable scope for the 'performer', materially and/or mentally.

This starting point of the word links Yoko Ono's work with literature and in particular, poetry. Many commentators have rightly associated her Instructions with musical scores. Others have pointed to the haiku, the unrhymed and non-rhythmical metre that developed from the classical Japanese poetry genre known as Tanka in the sixteenth century. But Yoko Ono's Instructions are not poems; they are visual artworks, a new type of art, which she shared with other contemporary artists like John Cage and George Brecht. Their nature as visual artworks is underlined by the fact that the artist herself termed them paintings, and by the fact that they deal with painting: Painting to See the Sky, 1961; Painting for the Wind, 1961; Smoke Painting, 1961; Painting to Hammer a Nail, 1961; and Painting to be Constructed in Your Head, 1961 all entail a discussion of art. 'My paintings, which are all Instruction paintings (and meant for others to do)', Yoko Ono has said, 'came after collage and assemblage (1915) and happening (1905) came into the art world. Considering the nature of my paintings, any of the above three words or a new word can be used instead of the word, painting. But I like the word painting because it immediately connects with "wall painting", and it is nice and funny.' But she does not intellectualise about her own works. Instead, she leaves a 'breathing space' for the spectator/participant, in which the works come into being through a lyrical dialogue.

The originality of Yoko Ono's works lies in their ephemerality. While, for example, Marcel Duchamp's art was primarily conceptual, he retained the idea of the art object, as did many of Yono Ono's contemporaries. Her works, on the other hand, are based on a concept that is outlined in a neutral manner, without psychological dimensions, personal associations or subjectivity, and their material elaboration is to a large extent determined by the spectator/participant, even allowing for the eventual dissolution/destruction of the artwork. Thus her work is a process (becoming-being-was) that has a timescale of its own. In an art-historical context, this was a radical shift. Previously, the artwork was an exalted, timeless object (even though its creation belonged to a specific art-historical period), preserved in special social institutions – art museums – and part of a powerful commercial system. Directly and indirectly, Yoko Ono addressed this exalted nature of the art object, from an artistic viewpoint but also from a social and political one. The Instructions, which are the antithesis to the symbolic artwork, escape the possibility of becoming a sellable object. By underlining and highlighting the ephemerality of the artwork Yoko Ono renders it mundane, tears down the boundary between life and art. Instead of being a sublime and sacred object, the artwork becomes a fleeting physical and mental communication.

While we can say that this aspect links Yoko Ono's art to that of Fluxus, which reduced elevated aesthetic and material qualities, and invited a wider and more tolerant aesthetic experience, it also links to her cultural background in Zen Buddhism, whose essence is meditation with the aim of freeing the soul from its earthly fetters. Zen emphasises insight irrespective of logical thought, and the way to acquire this is through the koan, a riddle for which there is no logical solution. In much the same way, Yoko Ono divorces her artistic conception from its material form and underlines its subjective, meditative qualities, or to quote her own words in connection with her happenings: 'It is not "a get-togetherness" as most happenings are, but dealing with oneself.'

Also rare in art history is the generosity that Yoko Ono extends to viewers. Some of the Instructions give limited freedom of expression/expansion to the participant, such as Painting to Hammer a Nail and Painting to be Watered, 1962, where the participation is in the form of nuanced repetition. In other works like Add Color Painting, 1960, Mummy is Beautiful and Arising, however, the artist gives more licence, inviting viewers to add to the works or change them, often in a very personal manner. In this way, the artwork becomes a shared mental or physical project. The participation element is a key factor in the process of dissolving the uniqueness of the art piece – since it can be rendered simultaneously by many people and in different places – as is its refusal of the commercial. One consequence of participation with others, and perhaps the most subtle of them all, is that through it, the artist loses control of the process and evolution of the work, which acquires new life in versions made with varying degrees of creativity. Many of the object-based Instruction works in the exhibition, such as Painting to Hammer a Nail, Sky T.V., Wish Tree, Ceiling Painting, Yes Painting, 1966/2016, Imagine Peace Map installation, 2003/2016, Arising, 2013/2016 and Mummy is Beautiful, 1997/2016, have been realised by the museum's staff. No works came to the museum in crates with the status of original, unique art objects in the traditional sense.

After having reduced the work of art to the state of an idea, Yoko Ono abandoned any signature artistic expression and production; her ideas and concepts can be materialised in whatever form and through all possible techniques. But even though the starting point is not the material or technique, a certain aesthetic approach is retained. Her use of white is an example, reflecting both the fact that in the Far East white is the colour of death and sorrow, and that in a more modernistic Western sense it is a neutral, non-colour, which reduces all personal expression or attachment. The transparent materials that recur again and again in her works, as primary mental structures, are another characteristic of her artistic expression.

By inventing new forms of art, Yoko Ono loads them with narratives and symbolic meaning. Some works, like Arising and Mummy is Beautiful, are complex and subtle in their structure and narratives, depending largely on the input of the participants in order to create powerful collective works and narratives expressing both the stories of individuals and the polyphony of society's collective voice. Others are more direct, and even violent, like the works related to destruction and reconstruction, natural or human catastrophes, such as Invisible People, Mend Piece and Ex It. The notion of a destructive action appears in many of Yono Ono's works, especially after the 1980s, but most of the time it is followed up by a sense of hope or an act of healing. Other works are more specifically socially and politically oriented, like Arising and Horizontal Memories, which remind us that our societies are still governed by the 'law of the jungle', and marred by a great deal of suffering. What all these works have in common is that they advocate feminism, peace and collective activism, a consciousness about one's own existence and one's relationship with the other. The works become a reminder and an invitation to take a responsible, moral and critical standpoint.

Ono's art presents a challenge to every art museum to reconsider its nature and its limits. It urges the museum to reinvent its dialogue with the artist and the public. 'Dream Come True' presents a selection of Yoko Ono's Instruction works from the last six decades. The objects are shown in the museum, framed by its architecture and mechanisms, while other works are communicated via social media. This delivery of the Instructions, photos and films to the public with the help of internet and smart phones underlines their ephemeral and de-sacralised nature.

Even though Yoko Ono's art is open and complex, driven by a need for participation with others, it always retains its core meaning, which is impossible to flee from or divert. To a large extent, her art deals with the nature of art itself, as well as her belief that there is a better future, 'if we just want it enough'.